Maldonne: Golpes de deseo (Whips of desire)
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- hace 3 días
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por Ailo y Euge Starna
Desde Ficcialidad fuimos a ver Maldonne el lunes 12 de mayo, a las 19hs. Fue tal el impacto y el deseo, que partimos la reseña en dos. Para poder expresar con la particularidad de cada mirada, con la historia de cada una, con vestidos diferentes, parte de lo mismo. Maldonne, de Leïla Ka se presentó en el Centro de Experimentación del Teatro Colón el domingo 11, lunes 12 y martes 13 de mayo. Si no tuvieron la oportunidad de verlo en vivo, se realizó una versión cinematográfica de la obra que puede verse gratuita acá. La compañía se presentará el jueves 15, sábado 17, y domingo 18 con funciones de Solos y duo, compuesto por Se Faire La Belle / Pode ser / C’est toi qu’on adore. Más información aquí.
por Ailo (@___ailo)
por Euge Starna (@eugestarna)
Maldonne: La verdadera fuerza de la hysteria
por Ailo (@___ailo)
Hysteria es útero en griego. Maldonne es una expresión francesa para referirse a que las cartas fueron mal repartidas en un juego, por error, o por trampa.
Maldonne es también una composición que se planta en un comienzo que bien podría ser 1800, cerca de Mary Shelley, Mary Wollstonecraft, Virginia Woolf, o todas aquellas mujeres indómitas y controladas, histéricas y presas, desesperadas y silenciosas. Como si les hubieran robado sus vestidos en el tiempo, cinco bailarinas impecables componen una pieza física y sonora, con sus propias respiraciones y casi sollozos, en una danza matemática que tiene una invocación muy concreta a Rosas danst Rosas.
Cuando Anne Teresa de Keersmaeker hace Rosas danst Rosas, en Bélgica en 1983, crea consigo un método de composición que ordena el canon coreográfico y propone variaciones para la disposición de secuencias repetitivas, frontales, y poderosamente dinámicas (probablemente tomado de la composición musical, y llevado a la danza). Leïla Ka retoma esta fórmula para componer en principio Bouffées, que es el comienzo de la obra, y hacia el final una sutil reminiscencia a Fase (1982), también de Anne Teresa.
Cuando las invocaciones están inteligentemente hechas, hechas propias, transformadas y convertidas en algo nuevo, sucede esto: maravillas. Cuando la historia de la danza se filtra en las composiciones contemporáneas: justicia poética.
Las mujeres de Maldonne atraviesan tres estadíos, tres épocas, tres maneras diferentes de relacionarse con sus propios cuerpos a través de los años. Viajan de un comienzo clásico y cuasi romántico, a un cambio de vestido y época donde la hysteria se hace danza, y se canta a los gritos Je suis malade - (Estoy enferma), una poderosísima canción de Lara Fabian, con estampados de animal print, gritos y látigos de vestido al suelo, a los muslos, a la boca.
Ya Platón y Aristóteles creían que la histeria, —a la que Platón llamaba también locura femenina— estaba directamente relacionada a la actividad sexual de las mujeres, al sufrimiento por simplemente tener un útero en sus cuerpos. Cuerpos campos de investigación, que a su vez soportaron torturas inimaginables intentando encontrar la ‘cura’. La cura para el deseo. Procedimientos de exposición a vibraciones, lavajes vaginales, ritos, conjuros, hombres ‘doctores’ manipulando los órganos sexuales femeninos para intentar calmar la verdad. Ellen en Nosferatu, Lucy en Drácula, Regan en El Exorcista, Suspiria, Possession, Carrie, y un sinfín de representaciones de mujeres poseídas, trastornadas, desequilibradas e histéricas, incomprendidas y tratadas como enfermas.
“Je suis malade
Parfaitement malade”
La cruza entre la fuerza interna de la histeria, el deseo y la violencia, exteriorizar y exorcizar esos impulsos, y dejarse transformar por la danza (la cura más precisa para cualquier mal), hacen de Maldonne un traspaso de energía de ellas a nosotros. Como si nos inyectaran la injusticia y el remedio, la cura y la enfermedad, la invocación y la asunción.
Cuando la danza se trabaja con precisión, decisión, simpleza, maleabilidad, cuerpo, cuando la expresión cíclica de la historia vuelve de principio a fin y estas mujeres nos devuelven en cincuenta minutos un cúmulo irrefrenable de toda la historia de nuestros cuerpos, es un arma tan poderosa que ni ellas ni nosotros sabemos cuán importante es un exorcismo tal, en estos tiempos y en estos mundos.
Cinco que podrían ser quinientas
por Euge Starna (@eugestarna)
Cinco mujeres de pie en la oscuridad y el silencio. Así comienza Maldonne, esta obra impactante de Leïla Ka que se presentó en el CETC. Como si fuera una cocción a fuego lento, trabaja desde el gesto mínimo hasta una ebullición trepidante. Las intérpretes llevan su plasticidad a los límites físicos y emocionales insistiendo en repeticiones que van creando el pulso de una historia continua, como si un eco viniera desde lejos o un rugido desde lo profundo. Las mujeres en sus vestidos, necesitando decir algo, acompañándose en la insistencia de la acción, entran en una especie de trance que lleva a una ferocidad que atraviesa el cansancio, la opresión, el hartazgo. La encarnación de una fuerza arrolladora femenina cala hondo en lo psíquico y una no puede no pensar en el sistema patriarcal de dominación: una no pude no ver a una madre (mi madre) exhausta, una no pude no ver a una madre (mi abuela) limpiando, una no pude no ver a una madre (mi hermana) cantar.
Conformaban al principio una línea de mujeres, un muro humano y compacto en el que cada par de ojos era una mirada penetrante como si estuviera amenazando de cerca algún mal. Estaban juntas pero en algún lugar también profundamente solas. Pude ver a una mujer sufriente, a una mujer enferma, a una mujer luchando, pude ver a una mujer danzando y esa mujer era todas las mujeres que en algún momento han dormido poco y mal. Esas mujeres eran mi madre. Y como cuando una atomiza en infinitos pedazos ese arquetipo, así también fragmentaron el espacio. Los espectadores debimos movernos de nuestros asientos y seguirlas si queríamos continuar el hilo de la historia.
Cambiaron de vestidos como las serpientes cambian de piel. Abandonaron, al menos por un rato, esas primeras flores para cargar un animal print, la metáfora moderna de una piel salvaje. Un trío agazapado, agarrado del instinto, tomándose el trabajo. Una poderosa energía vital circula en el movimiento repetitivo de la sincronización: juntas sostienen un latido. Ese pulso continuo, repetitivo, constante que es el corazón de una mujer. O su útero o su sangre. Lo cotidiano como un encorsetamiento, el regreso al ser mamífero, la saliva, el jadeo, el llanto, el canto. Podemos ver encarnado un verso de Laura Wittner, “la fuerza vital casi siempre está en disputa”. Y cómo resisten esa lucha.
Una obra cargada de simbolismos, gestos, rabia y erotismo que impregna al espectador a la vez que lo obliga a cambiar de perspectiva, a buscar los pasadizos. Otro espacio es otra piel, moderna y negra, para después regresar al punto inicial, aunque en otro estado, en otra intensidad. Los vestidos superpuestos como capas de sentido: estereotipos, prejuicios, etiquetas, buscan ser quitados, arrancados para llegar al despojo de una piel, o al menos a una capa más fina, blanca, casi transparente.
La compulsión a crear algo bello y terrible como lo es Maldonne, sitúa a Leïla Ka en una escena emergente contemporánea mundial, abriendo surcos en esta gira latinoamericana. Cinco mujeres que podrían ser cincuenta, quinientas o todas nosotras. Como sostiene Lorrie Moore: es crucial como especie mantenernos interesados en nosotros mismos. Y eso, Leïla Ka, definitivamente lo logra.
Maldonne: Whips of desire
From Ficcialidad we went to see Maldonne, on Monday, May 12th, at 7 PM. The impact and desire were so strong, so we decided to split the review into two parts. To express each one's particular view, with our own history, with different dresses, parts of the same whole. Maldonne, by Leïla Ka, was presented at the Centro de Experimentación of Teatro Colón on Sunday 11, Monday 12 and Tuesday 13 May. If you didn’t have the opportunity to see it live, a cinematographic version was released and can be seen for free here. The company will perform on Thursday 15, Saturday 17 and Sunday 18 with Solos y Duo, composed of Se Faire La Belle / Pode ser / C’est toi qu’on adore. More information here.
by Ailo (@___ailo)
by Euge Starna (@eugestarna)
Maldonne: The real force of hysteria
by Ailo (@___ailo)
Hysteria is womb in Greek. Maldonne is a French expression meaning the cards in a game were wrongly dealt, by mistake or by cheating.
Maldonne is also a composition that starts from a time that could be 1800, near Mary Shelley, Mary Wollstonecraft, Virginia Woolf, or all other women untamed and controlled, hysterical and prisoners, desperate and silent. As if the dancers had stolen their dresses through time, five brilliant performers compose a physical and sound piece, with their own breaths and almost sobbing, in a mathematical dance that makes a very concrete invocation of Rosas danst Rosas.
When Anne Teresa de Keersmaeker created Rosas danst Rosas in Belgium in 1983, she developed a method of composition that structures choreographic canon and proposes variations on repetitive, frontal, and powerfully dynamic sequences (probably taken from musical composition and transposed into dance). Leïla Ka takes up this formula initially to compose Bouffées, which opens the piece, and towards the end, a subtle reminiscence of Phase (1982), also by Anne Teresa.
When invocations are intelligently performed, made one's own, transformed, and turned into something new, this is what happens: marvels. When dance history weaves into contemporary compositions: poetic justice.
The women of Maldonne pass through three states, three epochs, three different ways of relating to their own bodies across the years. They travel from a classical, almost romantic beginning, to a change of dress and epoch when hysteria took the form of dance, and loudly sing "Je suis malade" (I am sick), a powerful song by Lara Fabian, with animal print patterns, shouts, and whips of dress to the floor, to the thighs, to the mouth.
Plato and Aristotle thought that hysteria —named by Plato as female madness— was directly related to the sexual activity and desire of women, to the suffering of simply carrying a womb in their bodies. Bodies as fields of investigation that also supported unimaginable tortures trying to find the “cure.” The cure for desire. Procedures involving exposure to vibrations, vaginal washings, rituals, incantations, ‘doctors’—men manipulating women’s sexual organs to try to calm the truth. Ellen in Nosferatu, Lucy in Dracula, Regan in The Exorcist, Suspiria, Possession, Carrie, and countless representations of possessed women, disturbed, unbalanced, hysterical, misunderstood, and treated like the sick.
“Je suis malade
Parfaitement malade”
The cross between the interior power of hysteria, desire, and violence, externalizing and exorcising those impulses, and allowing oneself to be transformed by dance (the most precise cure for any bad), turns Maldonne into an energy channel from her to us. Just as if they were injecting us with injustice and medicine, the cure and the illness, the invocation and the ascension.
When the dance is worked with precision, decision, simplicity, malleability, and body, when the cyclical expression of history returns from beginning to end, and these women give us, in fifty minutes, an unstoppable accumulation of the entire history of our bodies, it is such a powerful weapon that even she or we know how important an exorcism like this is in these times and in these worlds.
Five who could be five hundred
by Euge Starna (@eugestarna)
Five women stand in darkness and silence. This is the beginning of Maldonne, this powerful work by Leïla Ka presented at the CETC. Like a slow-cooked process, it moves from the smallest gesture to a boiling intensity. The dancers push their physical and emotional limits, insisting on repetitions that build and create the pulse of an ongoing story, like an echo from far away or a roar from the depths.
The women in their dresses, needing to say something, supporting each other in the insistence of the action, enter into a trance-like state that holds a ferocity which cuts through tiredness, oppression, and exhaustion. The embodiment of an overwhelming female force goes deep into the psyche, and I cannot help but think of the patriarchal system of domination: I cannot help but see a mother (my mother) exhausted, I cannot help but see a mother (my grandmother) cleaning, I cannot help but see a mother (my sister) singing.
At the beginning, they formed a line of women, a human, compact wall in which each pair of eyes was a penetrating gaze, as if they were threatening some evil up close. They were together, but in a way, deeply alone. I could see a suffering woman, a sick woman, a fighting woman, I could see a dancing woman, and that woman was all the women who at some point had slept little and poorly. Those women were my mother. And just like when one breaks that archetype into infinite pieces, they also fragmented the space. The audience had to move from our seats and follow them if we wanted to continue the story.
They changed dresses like snakes change their skin. They abandoned, at least for a while, those early flowers to wear animal print, a modern metaphor for a wild skin. A crouched trio, driven by instinct, taking their time. A powerful vital energy circulates in the repetitive movement of synchronization: together they sustain a heartbeat. That continuous, repetitive, constant pulse that is the heart of a woman. Or her womb, or her blood. The everyday as a corset, the return to being mammalian, saliva, panting, crying, singing. We can see embodied a verse by Laura Wittner, "the vital force is almost always in dispute." And how they resist that struggle.
A work full of symbolism, gestures, rage, and eroticism that immerses the audience while forcing them to change their perspective, to search for the passages. Another space is another skin, modern and black, to then return to the starting point, though in a different state, with a different intensity. The layered dresses, like layers of meaning: stereotypes, prejudices, labels, seek to be removed, torn off, to reach the shedding of a skin, or at least a thinner, whiter, almost transparent layer.
The compulsion to create something beautiful and terrible, like Maldonne, places Leïla Ka in a globally emerging contemporary scene, carving new paths in this Latin American tour. Five women who could be fifty, five hundred, or all of us. As Lorrie Moore states: it is crucial for us as a species to remain interested in ourselves. And that, Leïla Ka, definitely achieves.
Ailo (@___ailo)
Ailo (Ailén Cafiso) es bailarina, coreógrafa, escritora y artista multimedia. Trabajó diez años como editora, primero en un grupo editorial y luego en un proyecto independiente. Creó el grupo Potencial de acción donde reúne artistas multidisciplinarios para la creación de obras de cine y danza. Co-dirigió Parque (2022), hizo La danza rota (2024) y fue una de las primeras bailarinas del mundo en experimentar con danza y NFTs. Escribe poesía, y está terminando su primera novela. Creó Ficcialidad con el fin de difundir material artístico e histórico de investigación. ailo.work
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Ailén Cafiso (Ailo) is an artist from Buenos Aires, Argentina. She began studying dance at the age of three in an academy, then pursued a classical and contemporary dance teaching career at the age of ten. She deepened her studies with various teachers and artistic disciplines. She created Potencial de Acción, a dance film company, and was the choreographer, dancer, and co-director of Parque (2022), a dance film co-created with Iván Asnicar. Parque was selected and awarded in international festivals in: Italy, Russia, the US, Argentina, Spain, Brazil, Chile, the Czech Republic, Cuba, Germany, Greece, Poland, and more. . Last year, she created and presented La danza rota (2024), her first solo dance work. She is also one of first dancers in the world experimenting with NFTs, since 2021. For more information, visit ailo.work / potencialdeaccion.xyz
Eugenia Starna (@eugestarna)
Eugenia Starna nació en Bragado, provincia de Buenos Aires. Se dedica a los cruces disciplinares entre la danza y la literatura. Es egresada del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, donde trabajó junto al Ballet Estable. Se graduó del Profesorado de Arte en Danza por la Universidad Nacional de las Artes, donde a su vez se encuentra cursando la Licenciatura en Artes de la Escritura. Desde 2021 dirige EDEC, proyecto a partir del cual editó una publicación homónima que ya lleva dos ediciones.
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Eugenia Starna is a multidisciplinary artist whose work explores the intersection of dance and literature. She graduated from theTeatro Colón Ballet School, where she worked with the Ballet Company from 2017 to 2019 under the direction of Paloma Herrera. She also holds a Bachelor’s degree in Dance from the National University of the Arts (UNA, Buenos Aires), where she is currently pursuing a second degree in Writing Arts. Since 2021, she has directed Escribir desde el cuerpo ("Writing from the Body"), a laboratory of movement and creative writing, through which she published a book of the same name. With a strong foundation in both classical and contemporary technique, as well as improvisation, she has taken part in numerous projects, including short films, commercials, and music videos.
She is currently collaborating with Ficcialidad, a cultural magazine, and developing a range of new works—from a poetry collection to a solo performance.
